sábado, 17 de octubre de 2026

Ángeles músicos en la Catedral de Jaén.



Virgen del Carmen Coronada de San Francisco
Iglesia Vaticana Castrense, San Fernando. Cádiz.
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Ángeles músicos en la Catedral de Jaén
URL        : https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/10/12/angeles-musicos-en-la-catedral-de-jaen/
Publicado  : 12 octubre, 2026.
Autor      : Mayte Delgado
Categorías: Música

Es increíble la cantidad de imágenes de Ángeles músicos que pueden encontrarse en cualquier rincón de esta Catedral.

Lo difícil es poder verlos y apreciarlos, Muchos están tan escondidos en las bóvedas de las capillas, coronando los órganos o entre las tallas de la sillería del coro, que para descubrirlos conviene saber dónde mirar.

Capilla de San Miguel de la Catedral de Jaén. Vista general de su exuberante decoración barroca, con la representación del arcángel en el centro y los ángeles músicos en los casetones de la bóveda.

Como la mayoría de las catedrales andaluzas, la primitiva catedral de Jaén se crea utilizando como tal la anterior mezquita musulmana.

Está situada en la plaza de Santa María,  el corazón histórico de Jaén, uno de los lugares más emblemáticos de la ciudad. En ella se encuentran el Palacio Episcopal, el Ayuntamiento y, presidiendo el conjunto, la imponente Catedral de la Asunción.

La amplitud de la plaza permite contemplar la monumental fachada de la catedral, con sus dos grandes torres, sus columnas y su rica decoración escultórica. Durante siglos, este espacio ha sido escenario de celebraciones religiosas, procesiones y acontecimientos importantes de la vida de Jaén.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/10/img_8005.jpg?w=1024 Catedral de Jaén

Es la única catedral de España rodeada de balcones y guarda entre sus muros una gran representación de Ángeles músicos

Galería exterior de la Catedral de Jaén, con una de sus torres al fondo.

Vista de Jaén y de las montañas que rodean la ciudad desde los balcones de la catedral.

Ángeles  músicos

Bóveda del coro

La bóveda del coro, diseñada bajo la dirección del arquitecto José Gallego y Oviedo del Portal, presenta una rica decoración escultórica realizada por José de Medina y Anaya y Francisco Calvo hacia 1730.

En torno al relieve central de la Asunción de la Virgen aparecen ocho ángeles músicos: siete tocando distintos instrumentos y uno cantando con una partitura.

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Ángeles músicos de la bóveda del coro de la Catedral de Jaén (1730-1736). Vista general y detalles de los ocho ángeles: chirimía u oboe de tubo retorcido, cítara-cítola, violín, guitarra, bajón, cantor con partitura, oboe y violonchelo. Fotografías de Javier Marín y Arturo Aragón, reproducidas en el estudio de Javier Marín López, Entre pinceles, cinceles y acordes.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/10/img_8504.jpg?w=1024 Ángel cantor de la bóveda del coro. Detalle de la partitura con música de la antífona Exaltata est, dedicada a la Asunción de la Virgen. Fotografía de Arturo Aragón.

Capilla de San Miguel

La bóveda de la capilla de San Miguel está decorada con treinta y cinco casetones, pintados por José Carazo en 1759. Diez de ellos representan ángeles músicos: siete tocando distintos instrumentos —laúd, arpa, violonchelo, bajón, trompa, chirimía y violín— y tres cantando con partituras.

La capilla conserva también una serie de lienzos de ángeles y arcángeles del siglo XVII, atribuidos a Francisco Polanco.

Arcángeles en la capilla de San Miguel de la Catedral de Jaén. Arriba, dos representaciones de san Rafael; abajo, san Miguel y san Gabriel. Pinturas del siglo XVII atribuidas a Francisco Polanco.

Detalles de los ángeles músicos de la capilla de San Miguel, representados con diferentes instrumentos.

Sillería del coro

Tallada en el siglo XVI bajo el pontificado del obispo Alonso Suárez de la Fuente del Sauce por los artífices Gutierre Gierero, Jerónimo Quijano y Juan López de Velasco, incluye detalles iconográficos tallados en las tablas, sitiales y ménsulas de la sillería alta y baja que integran escenas bíblicas e historias de la salvación.

Sillería del coro de la Catedral de Jaén. Conjunto de tallas renacentistas del siglo XVI, ampliado durante el siglo XVIII.

El conjunto fue ampliado durante el siglo XVIII, añadiéndole dieciocho nuevos sitiales, entre otros elementos.

Esto explica la convivencia de elementos renacentistas y barrocos que vemos en las fotografías.

Dos figuras humanas sosteniendo un gran libro. Detalle de la sillería del coro, siglo XVI

Escena tallada en madera con motivos musicales. Detalle de la decoración de la sillería del coro.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/10/img_8570.jpg?w=768 Detalles de los reposamanos de la sillería del coro, dibujados por Francisco Cerezo Moreno. Figuras representadas con instrumentos musicales.

Órganos de la catedral

Marín López identifica nada menos que veintidós ángeles músicos en la caja del órgano del lado del Evangelio, cuyo diseño definitivo data de 1778-1780. Hay trompetistas, trompistas, flautistas y hasta un violonchelista.

Órgano de la Catedral de Jaén. Su monumental caja está decorada con esculturas de ángeles músicos.

Detalle de los ángeles músicos que coronan la caja del órgano, con grandes trompetas y otros instrumentos.

Las cajas barrocas de los órganos están coronadas por grandes ángeles trompetistas y otros ángeles músicos de menor tamaño. 

Vista general del coro de la Catedral de Jaén, con su sillería tallada y los órganos situados sobre ella.

Museo de Arte Sacro

Entre las obras del Museo de Arte Sacro se conserva un altorrelieve de la Adoración de los pastores, atribuido a Sebastián de Solís y fechado en la segunda mitad del siglo XVI.

Adoración de los pastores. Altorrelieve atribuido a Sebastián de Solís, segunda mitad del siglo XVI. Museo de Arte Sacro de la Catedral de Jaén.

La escena contiene dos curiosos detalles musicales: un ángel que toca un atabal, pequeño tambor de percusión, y un pastor gaitero. La presencia de estos músicos reúne en una misma representación la música celestial de los ángeles y la música popular de los pastores.

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Dos detalles musicales de la Adoración de los pastores: un ángel con atabal y un pastor gaitero.

Y todavía nos espera otra sorpresa en el Museo de Arte Sacro de la Catedral de Jaén: un hermoso relicario de Santa Cecilia, realizado por un artista florentino anónimo en el siglo XVIII.

El relicario, concebido como un pequeño retablo con puertas, contiene una delicada escena musical formada por figuras femeninas de bronce dorado, reunidas alrededor de un órgano. Una representación especialmente interesante por la variedad de instrumentos y por su relación con Santa Cecilia, patrona de la música.

Relicario de Santa Cecilia, anónimo florentino, vista general. Museo de Arte Sacro de la Catedral de Jaén, sala 2, s. XVIII.Fots. Arturo Aragón y Javier Marín

Detalle de las mujeres tañedoras en bronce dorado.

La música en la Catedral de Jaén

Siglo XVI: la capilla musical adquiere una organización más definida a partir de 1536. Entre sus maestros figura el célebre compositor Francisco Guerrero.

Siglo XVII: aparecen instrumentos como la vihuela de arco, el arpa y el violín. También destaca el organista Francisco Correa de Arauxo.

Siglo XVIII: la instrumentación evoluciona. La corneta, la chirimía y el sacabuche van dejando paso a otros instrumentos, como la trompa, el oboe y el contrabajo.

La música que resonaba en la catedral

La importancia de la música en la vida cotidiana de la catedral queda reflejada también en sus antiguos inventarios. El musicólogo Javier Marín López ha estudiado dos documentos de 1657 y 1772 que demuestran que los libros musicales, tanto de canto llano como de polifonía, no se guardaban exclusivamente en el archivo de música, sino que también estaban presentes en otras dependencias del templo.

Para acompañar nuestro recorrido por los ángeles músicos, nada mejor que escuchar una composición de Juan Manuel de la Puente (1692-1753), maestro de capilla de la Catedral de Jaén durante más de cuarenta años.

Su música nos acerca al ambiente sonoro de la catedral barroca, cuando las voces de los cantores se unían a violines, oboes, bajones, arpas y órganos.

En 2011 se cumplieron los trescientos años de la llegada a Jaén de Juan Manuel de Lapuente, que fue maestro de capilla de la Catedral de 1711 hasta su fallecimiento, en 1753.

Un proyecto de investigación de la Universidad de Jaén permitió recuperar y dar a conocer parte del patrimonio musical barroco de la catedral, especialmente las composiciones de Juan Manuel de la Puente. La iniciativa culminó con un concierto dedicado a su música, celebrado en la propia catedral, dentro del Festival Internacional de Música Antigua de Úbeda y Baeza.

Partitura manuscrita de Juan Manuel de la Puente (1692-1753), maestro de capilla de la Catedral de Jaén. Archivo de la Catedral de Jaén. Fotografía difundida por la Universidad de Jaén en 2011.

Escuchar música de Juan Manuel de la Puente ( https://youtu.be/dzy5R94mFKA )

Los estudios de musicología más recientes sobre este gran músico ponen unánimente de relieve su valor y la alta calidad de sus composiciones, recogidas en tres libros de música custodiados en el Archivo Histórico Diocesano de Jaén.

Los ángeles músicos de la Catedral de Jaén constituyen un extraordinario testimonio de la presencia de la música en el arte y en la vida religiosa a lo largo de los siglos. Entre pinturas, esculturas, tallas y órganos, sus instrumentos nos permiten imaginar los sonidos que acompañaron durante generaciones las celebraciones de este magnífico templo.

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Nota personal: Mi prima Mayte Delgado Oviedo es pariente de Timoteo Arnáiz Alcalde de Burgos y de San Rafael Arnáiz Barón que a su vez lo es por los Barón pariente de Santa Teresa de Jesús de Ávila y de San Luis de Gonzaga.
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Santa Teresa de Jesús: entre la pluma, la música y el arte.




Virgen del Perpetuo Socorro. San Francisco. Indulgencia Plenaria
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Santa Teresa de Jesús: entre la pluma, la música y el arte
URL        : https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/10/15/santa-teresa-de-jesus-entre-la-pluma-la-musica-y-el-arte/
Publicado  : 15 octubre, 2026.
Autor      : Mayte Delgado
Etiquetas  : Antonio Baciero, arte religioso, Carmelitas Descalzas, Francisco Guerrero, instrumentos musicales históricos, laud, música conventual, música del Renacimiento, música religiosa, monasterio de la Encarnación, poesía mística, Santa Teresa de Jesús, Teresa de Ávila
Categorías: Música

Juan García de Miranda. Santa Teresa y su hermano Rodrigo intentando construir ermitas, hacia 1735. Museo Nacional del Prado, Madrid.

Santa Teresa de Jesús: la niña de Ávila

Teresa Sánchez de Cepeda y Ahumada nació en Ávila el 28 de marzo de 1515, en el seno de una familia numerosa y acomodada. Desde pequeña destacó por su imaginación, curiosidad y carácter decidido.

Cuando tenía unos siete años, ella y su hermano Rodrigo decidieron marcharse a tierras musulmanas con la esperanza de morir como mártires. Su aventura terminó pronto: según la tradición, un familiar los encontró y los devolvió a casa.

Después, los hermanos se entretuvieron construyendo pequeñas ermitas con piedras, un juego que parece anunciar las numerosas fundaciones religiosas que Teresa realizaría años después.

También fue una lectora apasionada de los libros de caballerías, afición que compartía con su madre y que alimentó su extraordinaria imaginación.

La muerte de su madre, cuando Teresa tenía once años, marcó profundamente su infancia. Según cuenta en el Libro de la vida, acudió llorando ante una imagen de la Virgen y le pidió que fuera su madre.

Aquella niña aventurera, sensible y amante de los libros acabaría convirtiéndose en una de las grandes escritoras de la literatura

Teresa de Ahumada: de los libros de caballerías al convento

Durante su adolescencia, Teresa disfrutaba de las novelas de caballerías, las amistades y las diversiones propias de su edad. Le gustaba arreglarse, vestir bien y sentirse admirada, como ella misma reconocería años después en su autobiografía.

Preocupado por algunas de sus amistades, su padre decidió enviarla al convento de Nuestra Señora de Gracia, en Ávila, donde recibió una educación religiosa que despertó nuevas inquietudes.

Convento de Nuestra Señora de Gracia, Ávila, donde Teresa pasó una etapa decisiva de su juventud.

Tras un periodo de dudas, a los veinte años decidió ingresar en el convento carmelita de la Encarnación de Ávila, en 1535, aunque su padre se oponía inicialmente a aquella decisión.

La joven que soñaba con aventuras comenzaba una vida que acabaría siendo mucho más extraordinaria de lo que había imaginado.

Santa Teresa en el convento de la Encarnación

En 1535, Teresa ingresó en el convento carmelita de la Encarnación de Ávila, donde viviría durante muchos años.

La vida conventual no era tan austera como podríamos imaginar. Algunas religiosas recibían visitas frecuentes, disponían de habitaciones particulares y mantenían relaciones con la sociedad de la ciudad.

Monasterio de la Encarnación, Ávila, donde Santa Teresa vivió gran parte de su vida religiosa antes de emprender la reforma del Carmelo.

Teresa sufrió graves enfermedades que llegaron a poner en peligro su vida. Durante su recuperación comenzó a profundizar en la oración y, con el tiempo, experimentó las vivencias místicas que describiría en sus escritos.

Poco a poco fue madurando una idea: recuperar una vida religiosa más sencilla, basada en la oración, la pobreza y el recogimiento.

Aquella decisión daría origen a la reforma del Carmelo y transformaría su vida para siempre.

Santa Teresa, una monja de armas tomar

Santa Teresa no fue una religiosa que permaneciera encerrada entre los muros de un convento. Fue una mujer emprendedora, valiente y con una extraordinaria capacidad de organización.

En 1562 fundó en Ávila el convento de San José, el primero de su reforma del Carmelo. A partir de entonces recorrió numerosos caminos de España, viajando en carros y soportando el frío, el calor, las incomodidades y las dificultades económicas.

Santa Teresa de Jesús, representada como fundadora y reformadora del Carmelo. Su actividad fundacional la llevó a recorrer buena parte de Castilla y Andalucía.

Llegó a fundar diecisiete conventos de carmelitas descalzas, enfrentándose a incomprensiones y resistencias, pero sin abandonar sus proyectos.

Santa Teresa de Jesús repartiendo limosnas a los pobres. Grabado antiguo que ilustra su espíritu caritativo y su preocupación por los más necesitados.

Su personalidad combinaba una profunda espiritualidad con un sorprendente sentido práctico y del humor. Sabía negociar, resolver problemas y mantener el ánimo incluso en las situaciones más difíciles.

Santa Teresa demostró que una mujer del siglo XVI podía convertirse en una extraordinaria organizadora y reformadora.

Santa Teresa y la música en los conventos del siglo XVI

La música ocupaba un lugar importante en la vida de los conventos del siglo XVI. Las religiosas cantaban durante los oficios religiosos, pero también había espacio para canciones y villancicos en determinadas celebraciones.

Santa Teresa de Jesús da el hábito a Juan Narduch y Mariano Azzaro

Santa Teresa apreciaba el canto sencillo y compartido. En los conventos que fundó, la música debía favorecer la oración, sin grandes lujos ni complicaciones.

En  lo referente a la liturgia de las horas, dejó dispuesto en las Constituciones lo siguiente: “Jamás sea el canto por punto, sino en tono, las voces iguales. De ordinario sea todo rezado, y también la misa.”

Cultivó la poesía religiosa, y sus  versos, de ritmo sencillo y cercano a las canciones populares, se prestaban especialmente bien al canto.

Entre los poemas tradicionalmente atribuidos a Santa Teresa destaca:

«Vivo sin vivir en mí, y tan alta vida espero, que muero porque no muero».

https://youtu.be/jr0yNYel4I0?is=yqjPslv04jfLxmtm

Estos versos, asociados también a la tradición poética de San Juan de la Cruz, han inspirado numerosas composiciones musicales posteriores.

Los instrumentos musicales del monasterio de la Encarnación

El monasterio de la Encarnación de Ávila, donde Santa Teresa vivió cerca de treinta años, conserva una interesante colección de instrumentos musicales históricos.

Entre ellos figuran un arpa doble, un salterio, una guitarra de cinco órdenes, una vihuela de arco, un bajón y un tambor. También se conservan antiguos libros de canto y manuscritos litúrgicos.

Aunque no todos estos instrumentos pertenecen necesariamente a la época de Teresa, constituyen un valioso testimonio de la tradición musical de los conventos.

La música formaba parte de la vida religiosa, pero también podía proporcionar momentos de alegría y convivencia entre las monjas.

Entre los instrumentos históricos del monasterio de la Encarnación de Ávila destaca un pequeño órgano de cámara, conservado en el coro alto de la iglesia. Su constructor es desconocido y su fecha de fabricación no está establecida con certeza, aunque algunas investigaciones sitúan sus orígenes entre los siglos XV y XVI. El instrumento fue restaurado en 1980 por el organero Joaquín Saura y estudiado por el músico e investigador Antonio Baciero.

Órgano de cámara del convento de la Encarnación de Ávila. Portada del estudio de Antonio Baciero, publicado en 1982 por Editorial Poniente y el Consejo General de Castilla y León.

Las monjas músicas de la Encarnación

La tradición musical del monasterio de la Encarnación continuó después de la época de Santa Teresa. A comienzos del siglo XVII encontramos religiosas especialmente dotadas para la música, como las hermanas Isabel y Mariana Rosa Velasco, que aprendieron canto llano y polifonía desde niñas.

Mariana Rosa llegó a tocar el órgano, el arpa, la guitarra y la cítara. Otras religiosas, como Clara Eugenia y Eugenia Clara, también destacaron como instrumentistas.

Estos testimonios nos permiten imaginar la riqueza musical que llegó a desarrollarse entre los muros del monasterio, aunque no podamos atribuir todas estas prácticas a los años en que vivió Santa Teresa.

Santa Teresa de Jesús representada en su escritorio, rodeada de libros y símbolos religiosos. Una imagen que recuerda su extraordinaria actividad como escritora y reformadora del Carmelo.

Santa Teresa, sus viajes y la música popular, 

Durante sus numerosos viajes para fundar conventos, Santa Teresa recorrió caminos, pueblos y ciudades de Castilla y Andalucía. En aquellos desplazamientos debió de escuchar muchas de las canciones populares que acompañaban la vida cotidiana: romances, coplas, canciones de trabajo y melodías propias de las fiestas.

No sabemos exactamente qué canciones escuchó, pero sí que conocía y apreciaba las formas sencillas de la poesía popular. Su afición por los versos y su sentido del humor se reflejan en las composiciones que escribió para compartir con sus religiosas.

En los conventos carmelitas, las coplas y los villancicos podían convertirse en una forma de expresar la alegría, especialmente durante las celebraciones de Navidad y otras festividades religiosas.

Una huella que permanece

Santa Teresa de Jesús fue mucho más que una gran mística y reformadora. Fue una mujer de carácter, escritora extraordinaria y amante de la poesía, que supo encontrar en las palabras y en el canto una forma de expresar sus sentimientos más profundos.

Sus versos, cercanos a la tradición popular, nos recuerdan que la espiritualidad también podía convivir con la alegría, el humor y la música.

Cinco siglos después, su voz sigue viva, no solo en sus libros, sino también en las numerosas composiciones musicales que han encontrado inspiración en su poesía.

Bibliografía y fuentes consultadas

Teresa de Jesús. Libro de la vida.

Teresa de Jesús. Libro de las fundaciones.

Teresa de Jesús. Camino de perfección.

Teresa de Jesús. Poesías.

Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes. Obras de Santa Teresa de Jesús.

Museo Nacional del Prado. Santa Teresa y su hermano Rodrigo intentando construir ermitas, de Juan García de Miranda.

Baciero, Antonio. El órgano de cámara del convento de la Encarnación de Ávila. 1982.

Archivo de la Catedral de Sevilla. Pange lingua, de Francisco Guerrero.

Museo del V Centenario de Santa Teresa de Jesús, Pastrana. Documentación e imágenes relacionadas con la santa y la reforma carmelitana.

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Nota personal: Mi prima Mayte Delgado Oviedo es pariente de Timoteo Arnáiz Alcalde de Burgos y de San Rafael Arnáiz Barón que a su vez lo es por los Barón pariente de Santa Teresa de Jesús de Ávila, de lo que trata esta entrada, y de San Luis de Gonzaga.
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martes, 6 de octubre de 2026

Santa Cecilia y la música. Patrona de los músicos.

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Virgen del Carmen

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Hospital de Marina de San Carlos en San Fernando
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Santa Cecilia y la música
URL        : https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/10/05/santa-cecilia-y-la-musica/
Publicado  : 5 octubre, 2026.
Autor      : Mayte Delgado
Categorías: Música, Música y pintura

Cantantibus organis, Cecilia virgo in corde suo soli Domino decantabat dicens: fiat Domine cor meum et corpus meum inmaculatum ut non confundar. “

Mientras sonaban los  instrumentos musicales ( https://educacionmusical.es/2009/11/22/candentibus-organis/# ) , la virgen Cecilia cantaba en su corazón a su único Señor diciendo: que el Señor haga inmaculados mi corazón y mi cuerpo para que no quede yo confundida.

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Simon Glücklich, Santa Cecilia acompañada por ángeles, 1886.

Cecilia está sentada al órgano, mientras dos ángeles cantan leyendo una partitura; a la derecha aparece además un violonchelo apoyado y varias hojas de música en el suelo. Es una versión muy narrativa y doméstica de la santa, bastante distinta de las representaciones antiguas.

¿Por qué Santa Cecilia se convirtió en patrona de la música?

En principio, su relación con la música nació de una interpretación posterior de un pasaje de la Passio de santa Cecilia. La expresión latina cantantibus organis hacía referencia a los instrumentos que sonaban durante su boda, mientras Cecilia cantaba en su corazón únicamente al Señor. Con el paso de los siglos, aquella frase se fue asociando cada vez más estrechamente con la música y se llegó a representar a la santa tocando el órgano, que terminó convirtiéndose en uno de sus atributos característicos.

De mártir romana a santa de los músicos

Inscripción dedicada a Santa Cecilia, virgen y mártir, procedente del cementerio de San Calixto. Museos Vaticanos.

Iglesia de Santa Cecilia en el Trastevere de Roma

En las representaciones más antiguas, Cecilia no tiene nada que ver con un órgano. Aparece como virgen y mártir, sin atributos musicales. Durante siglos, la palma del martirio será uno de los elementos que permita reconocer su condición de mártir.

Santa Cecilia con la palma del martirio. Catedral de Rávena

La asociación de Santa Cecilia con los instrumentos musicales comenzó a aparecer en el arte medieval. Una de las representaciones más antiguas conocidas se encuentra en un antifonario franciscano de Rávena, hacia 1260: Cecilia aparece rezando mientras, a su lado, unos músicos tocan un órgano.

Santa Cecilia en oración mientras un músico sopla con un fuelle y otro hace sonar un órgano. Inicial historiada de Cantantibus organis. Antifonario II, f. 122v, hacia 1260. Archivio Storico Arcivescovile de Rávena.

A comienzos del siglo XIV el instrumento ya se había convertido en un atributo de la santa: una escultura del Maestro de Santa Anastasia la representa sosteniendo un pequeño órgano portativo. Sin embargo, todavía habría que esperar hasta finales del siglo XV y comienzos del XVI para encontrar con mayor frecuencia a Cecilia tocando personalmente el instrumento.

Maestro de Santa Anastasia, Santa Cecilia, primera mitad del siglo XIV. Museo de Castelvecchio, Verona. La santa sostiene un pequeño órgano, convertido ya en uno de sus atributos.

La aparición del órgano no hizo desaparecer, sin embargo, la iconografía tradicional de Cecilia como virgen y mártir. Todavía hacia 1470, Francesco Botticini la representó entre san Valeriano y san Tiburcio sin ningún instrumento musical.

Francesco Botticini, Santa Cecilia entre San Valeriano y San Tiburcio con un donante, hacia 1470.Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

La nueva iconografía musical no sustituyó inmediatamente a la tradicional. Todavía a finales del siglo XV encontramos imágenes de Cecilia sin ningún instrumento, identificada por la corona y la palma del martirio.

Santa Cecilia con corona, palma del martirio y libro. Inicial de un antifonario alemán, hacia 1490. Victoria and Albert Museum, Londres.

Poco a poco, sin embargo, apareció un nuevo paso en esta evolución iconográfica: Cecilia ya no solo podía llevar el órgano como atributo, sino que comenzó a ser representada tocándolo, convertida así en una verdadera intérprete.

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Santa Cecilia al órgano acompañada por ángeles. Vidriera

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Sebastiano Conca, Gloria de Santa Cecilia, siglo XVIII. Basílica de Santa Cecilia in Trastevere, Roma. En la parte inferior, unos ángeles transportan un órgano.

Del órgano a todos los demás instrumentos. 

El órgano fue el primer instrumento que quedó ligado a la imagen de Santa Cecilia, pero no sería el único. Una vez consolidada su condición de santa de la música, los artistas comenzaron a rodearla de otros instrumentos y, en ocasiones, a representarla tocándolos. La iconografía se amplió: laúd, arpa, viola, violín, flauta y otros instrumentos fueron incorporándose a sus representaciones. Cecilia dejó así de ser únicamente la santa del órgano para convertirse en la personificación misma de la música.

En el célebre Éxtasis de Santa Cecilia de Rafael, la santa sostiene un órgano portativo mientras dirige la mirada hacia el coro de ángeles que canta en el cielo. A sus pies aparecen diversos instrumentos musicales, algunos rotos o abandonados. La música terrenal parece quedar así relegada ante la música celestial. La obra se convirtió en una de las imágenes más influyentes de Santa Cecilia y contribuyó a consolidar su identificación con la música.

Rafael Sanzio, Éxtasis de Santa Cecilia, ca. 1514–1517. Pinacoteca Nacional de Bolonia. Cecilia sostiene un órgano portátil mientras escucha el coro celestial; a sus pies aparecen diversos instrumentos musicales.

Durante el siglo XVII, esta iconografía se amplió todavía más y Cecilia comenzó a aparecer asociada a instrumentos distintos del órgano. El violín, el laúd, el arpa o la lira fueron incorporándose progresivamente a sus representaciones, hasta convertir a la santa en una verdadera personificación de la música.

Guido Reni, Santa Cecilia, 1606. Norton Simon Museum, Pasadena. Cecilia sostiene un violín y su arco; al fondo  aparecen los tubos del órgano.

Antiveduto della Grammatica, Santa Cecilia, posterior a 1611. Museo Nacional del Prado, Madrid. Cecilia toca el órgano, a su espalda puede verse un laúd.

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Santa Cecilia, virgen y mártir, rodeada de instrumentos musicales. Autor y fecha por identificar.

A finales del siglo XVI, el patronazgo musical de Santa Cecilia recibió un importante respaldo institucional en Roma. En 1585, el papa Sixto V aprobó mediante la bula Ratione congruit la Congregación de los Músicos, puesta bajo la advocación de la Virgen María, san Gregorio Magno y santa Cecilia. Para entonces, Cecilia llevaba ya tiempo consolidándose como protectora de los músicos.

Aunque el órgano terminó convirtiéndose en su atributo musical más característico, Santa Cecilia no es patrona de un instrumento concreto, sino de la música y de los músicos. Por eso, con el tiempo, los artistas comenzaron a representarla tocando los instrumentos más diversos.

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Gustave Moreau, Santa Cecilia, ca. 1890–1895. The Metropolitan Museum of Art, Nueva York. Acuarela. Cecilia toca una elaborada lira, símbolo clásico de la música y de la inspiración artística.

La iconografía de Santa Cecilia llegó así a abarcar prácticamente todo el mundo instrumental: laúd, arpa, lira, viola, violín y muchos otros instrumentos se fueron incorporando a sus representaciones.

A lo largo de los siglos, la imagen de Santa Cecilia fue cambiando con la propia historia de la música. De virgen y mártir pasó a sostener un pequeño órgano y, más tarde, a tocar el violín, el laúd, el arpa o la lira. Quizá por eso su figura ha tenido tanta fortuna entre los artistas: más que la santa de un instrumento concreto, terminó convirtiéndose en la imagen misma de la música.

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Nota: Teresa Delgado Oviedo es descendiente de Timoteo Arnáiz ( Alcalde de Burgos ) y de San Rafael Arnáiz Barón. Familiares.
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El fracaso de La Contra Armada inglesa. Video de la armada española.

sábado, 19 de septiembre de 2026

"Garat revela el verdadero papel de Sánchez en Ceuta: "Es culpable del envalentonamiento de Marruecos".


La Cabana. El Ferrol


La Malata. El Ferrol


Muelle Curuxeiras. El Ferrol
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Almirante Garat, fue ALFLOT, Almirante de la Flota de la Armada.

Experto en anális geoestratégico y geopolítico.

Enlace:

martes, 15 de septiembre de 2026

LA HISTORIA OCULTA DE LA PRIMERA VUELTA AL MUNDO: LOS DOS PRIMEROS FALLECIDOS. Magallanes vs. Veedor.



Bergantín-Goleta Juan Sebastián De Elcano
Buque de Instrucción de los caballeros alumnos GGMM de la ENM.
Marín. Pontevedra. España
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 🌍⚓️ LA HISTORIA OCULTA DE LA PRIMERA VUELTA AL MUNDO: LOS DOS PRIMEROS FALLECIDOS.

 ⚓️🌍Cuando pensamos en la mítica expedición de Magallanes y Elcano, nos vienen a la mente tormentas, naufragios y combates. Sin embargo, los dos primeros tripulantes en morir de forma oficial no fallecieron por el escorbuto ni por el mar, sino debido a las estrictas leyes morales de la época. 
Esta es la trágica historia de dos marineros italianos a bordo de la nao Victoria:
⚖️ El "pecado nefando" en alta mar.
A finales de 1519, mientras cruzaban el océano Atlántico, el maestre Antón Salomón y el joven grumete Antonio Ginovés fueron sorprendidos manteniendo relaciones sexuales. En el siglo XVI no existía el concepto de "homosexualidad" como identidad, sino que se juzgaba el acto bajo el término de sodomía o "pecado contra natura", duramente perseguido por la Iglesia y las leyes de Castilla.
📜 Un juicio documentado.
La burocracia de la expedición era impecable, y el suceso quedó registrado de puño y letra en los diarios de la ruta:
****"En martes, a veinte días del mes de diciembre de MDXIX [1519], fue sentenciado a muerte Antón Salamon, maestre que fue de la nao Victoria, por somético, la cual sentencia fue ejecutada este dicho día en el puerto de Santa Lucía [Río de Janeiro]"***
.Salomón fue ejecutado mediante estrangulamiento (garrote vil) nada más tocar tierra en Brasil.
💔 El trágico destino del segundo tripulante.
Al grumete Antonio Ginovés se le eximió de la pena de muerte por su juventud y menor rango, pero el estigma y el aislamiento absoluto a bordo resultaron insoportables. Unos meses después, el 27 de abril de 1520, frente a las costas patagónicas, los documentos oficiales registran su trágico final: se suicidó arrojándose al mar. Fueron las dos primeras bajas oficiales de la histórica travesía.
⚓️ ¿Una pena habitual o un capitán implacable?
Aunque las leyes reales dictaban la muerte para la sodomía, la realidad en los galeones era muy distinta. El hacinamiento de cientos de hombres solos durante años hacía que estas relaciones de desahogo fueran relativamente comunes, y la mayoría de capitanes solía "hacer la vista gorda" o aplicar castigos físicos menores (azotes) para no perder oficiales valiosos en mitad del océano.Incluso el veedor real, Juan de Cartagena, intentó mediar para evitar la ejecución.
 Sin embargo, Fernando de Magallanes se mantuvo inflexible.
🤔
Magallanes era un hombre profundamente religioso, pero también un líder militar rodeado de tensiones y al borde de un motín generalizado.
 ¿Crees que aplicó esta pena máxima movido por su estricta fe y moralidad, o utilizó el trágico destino de estos dos marineros como un implacable golpe de autoridad para sembrar el miedo y demostrar que su palabra era ley absoluta a bordo?


Había Adelantados como Almirantes, pero también los había adelantados a su tiempo como algún Veedor:
Veedor Real Juan de Cartagena.

Veamos arriba con la expedición de Magallanes.
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domingo, 30 de agosto de 2026

La Virgen del Carmen embarca de nuevo en San Fernando-Cádiz.

La Virgen del Carmen embarca de nuevo en San Fernando-Cádiz.


Hola:

Andalucía Directo | La Virgen del Carmen embarca en San Fernando cargada solo por mujeres

https://youtu.be/rD4888lB2Lo?is=nlWKRJaOhZCsRQFZ

 

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Las fragatas solidarias con Ceuta. Video.



ELCANO EN DIQUE
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La Armada de la Solidaridad llega a Ceuta y exige firmeza al gobierno español
Una flotilla de unas 60 embarcaciones llevó un mensaje de apoyo a los ceutíes y cuestionó la respuesta española ante la crisis migratoria con ...
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miércoles, 5 de agosto de 2026

Escuelas de Marina San Carlos III. Escuela de Suboficiales y Casa Micolta. Historia de San Fernando ( Isla de León ).


Historia - Escuelas de la Armada - Armada - Ministerio de Defensa - Gobierno de España https://share.google/BqSkbyhbUNTS4Tu8r

SAN FERNANDO. Ayer y hoy...y otras historias.: ESCUELA DE SUBOFICIALES https://share.google/zF1ZTgFXeGbwXR4E9

Una gran historia para San Fernando https://share.google/ZQ73DauBSreHX6RkJ

Casa Micolta

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FOTOS: CASA MICOLTA ( Isla de León ). C/ Real de San Fernando.

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martes, 4 de agosto de 2026

Virgen del Carmen. Terno. San Fernando ( Cádiz ).



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Nuestra Señora del Carmen Coronada, Patrona y Capitán General de la Armada, Patrona y Alcaldesa de Honor de la ciudad para la Solemne Novena en su Honor.

Estrena terno bordado donado por un hermano y una pareja de escapularios donados por un grupo de hermanos. Porta la mantilla de la coronación y la capa del Terno Neoclásico.

Esta tarde será trasladada desde su capilla al altar de cultos en el altar mayor.
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La gaita en las bandas militares españolas: entre la tradición y la recuperación.

 


Museo Naval de Madrid
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La gaita en las bandas militares españolas: entre la tradición y la recuperación.

URL        : https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/07/31/__trashed-8/
Publicado  : 31 julio, 2026.
Autor      : Mayte Delgado
Etiquetas  : bandas militares, Cantigas de Santa Maria, gaita gallega, Galicia, instrumentos musicales, música tradicional, Un recorrido por la historia de la gaita
Categorías: Música

La música militar es una manifestación artística que acompaña a los ejércitos desde la Antigüedad y que ha evolucionado a lo largo de los siglos. Su importancia queda reflejada en un amplio patrimonio documental y musical. Los ejércitos no solo han marchado y cantado acompañados por la música, sino que también han contado con profesionales encargados de componerla e interpretarla dentro de las Fuerzas Armadas.

En la actualidad, este patrimonio histórico posee un gran interés cultural, pues permite conocer mejor la evolución y la vida de los ejércitos. Sus fondos se conservan en distintos centros dependientes del Ministerio de Defensa y continúan enriqueciéndose gracias a la actividad musical desarrollada por las Fuerzas Armadas.

La gaita

La gaita es un instrumento de viento provisto de un depósito de aire, llamado saco u odre. El intérprete introduce aire en él soplando por un tubo o mediante un fuelle y, al presionarlo con el brazo, mantiene un sonido continuo. La melodía se interpreta en el puntero, mientras que los bordones producen notas graves de acompañamiento.

Existen numerosos tipos de gaitas, con diferencias en la forma del saco, el número de bordones, la digitación y el sistema de alimentación del aire. Aunque hoy se asocia especialmente con Galicia, Asturias, Escocia o Irlanda, durante siglos estuvo extendida por muchas regiones de Europa.

La variedad de modelos existentes refleja la amplia difusión que este instrumento alcanzó en Europa desde la Edad Media. 

Distintos modelos de gaitas europeas, con variaciones en la forma del saco, el número y disposición de los bordones y el sistema de insuflación del aire.

La presencia de la gaita en manuscritos medievales, esculturas, pinturas y documentos históricos,  demuestra la importancia que alcanzó tanto en el ámbito popular como en el militar. 

Representaciones medievales y renacentistas de gaiteros en esculturas, relieves, tallas y dibujos, testimonio de la amplia difusión histórica del instrumento en Europa.

Para producir el sonido con la gaita, el intérprete introduce aire en un odre o saco, ya sea soplando a través de un tubo o accionando un fuelle con el brazo. Al presionar después el depósito, el aire pasa al puntero, un tubo melódico provisto de orificios sobre los que se colocan los dedos para interpretar las distintas notas. Muchas gaitas cuentan también con uno o varios bordones, que emiten sonidos graves y continuos de acompañamiento. 

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/07/img_3656.jpg?w=826 Intérprete de musette, variante francesa de la cornamusa, representado en una escena de género.

Antecedentes

Los antecedentes de los instrumentos de viento con depósito de aire se remontan a la Antigüedad, aunque resulta difícil establecer una relación directa entre aquellos instrumentos y las gaitas europeas posteriores. Existen algunas posibles referencias en textos griegos y latinos, pero las representaciones iconográficas inequívocas de la gaita comienzan a ser frecuentes durante la Edad Media.

En la Península Ibérica encontramos ejemplos especialmente valiosos en las Cantigas de Santa María, realizadas en el siglo XIII durante el reinado de Alfonso X el Sabio. Sus miniaturas muestran distintos tipos de cornamusas y prueban que estos instrumentos eran ya conocidos y utilizados en el mundo medieval hispánico. 

Representaciones de cornamusas en las Cantigas de Santa María, siglo XIII.

A partir del Renacimiento, la gaita perdió presencia en ciertos ambientes cortesanos y urbanos, desplazada por otros instrumentos, pero continuó profundamente arraigada en numerosas tradiciones populares europeas. 

En España se conservó especialmente en Galicia, Asturias, Cantabria, León, Zamora, Aragón, Cataluña y las islas Baleares, aunque con modelos, denominaciones y repertorios diferentes. También mantuvo una gran importancia en Escocia, Irlanda, Bretaña y distintas regiones de Francia, Inglaterra, Italia, Europa central y los Balcanes.

La gaita como instrumento tradicional gallego

La gaita gallega es un instrumento de viento-madera estrechamente vinculado a la cultura y a la música tradicional de Galicia. También se encuentra, con variantes propias, en el norte de Portugal, el occidente de Asturias, el Bierzo y Sanabria.  

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/07/img_3735-1.jpg?w=1024 Esquema de una gaita gallega con la denominación tradicional de sus elementos.

El instrumento está formado por un depósito de aire llamado fol, en el que se insertan sus distintos tubos. El gaitero introduce el aire a través del soprete y comprime después el fol con el brazo, manteniendo una presión regular que permite producir un sonido continuo.

El punteiro es el tubo melódico. Está provisto de orificios sobre los que se colocan los dedos y contiene una lengüeta doble denominada palleta. El ronco emite una nota grave y sostenida que acompaña a la melodía. Algunas gaitas incorporan además otros bordones de menor tamaño, como la ronqueta y el chión.

El control constante de la presión del aire, necesario para mantener la estabilidad y la afinación del sonido, recibe tradicionalmente el nombre de tempero. Gracias a este sistema, el gaitero puede interpretar la melodía sin las interrupciones respiratorias propias de otros instrumentos de viento.

La gaita y los Tercios españoles: una hipótesis

María del Carmen Novoa González planteó en su obra La gaita y la cornamusa en Galicia y Francia (1980), que soldados españoles pudieron contribuir a la difusión de la gaita por distintos territorios europeos durante las campañas de los Tercios.

Se trata, sin embargo, de una hipótesis. Hasta el momento no parece haberse encontrado una normativa militar ni un testimonio contemporáneo que demuestre que la gaita de saco formara parte habitual de las compañías.

La documentación conocida menciona principalmente tambores, pífanos y trompetas. Estos instrumentos se utilizaban para transmitir órdenes, marcar el paso y acompañar las marchas. En algunas publicaciones aparece la palabra «gaitero», pero este término podía referirse a un intérprete de instrumentos de viento y no necesariamente a un músico que tocara una gaita con saco.

Por ello, la presencia de gaitas en los Tercios continúa siendo una posibilidad no demostrada.

El pífano (fife) es una pequeña flauta travesera de sonido agudo, utilizada junto al tambor para transmitir señales y marcar el paso de las tropas.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/07/8930cd0c-6a93-4781-a168-2f51893d92d6.png?w=894 Tambor y pífano, grabado de 1598. La longitud y la forma de estos instrumentos podían variar según la época y el lugar. 

La desaparición de una posible tradición

Si esta práctica llegó realmente a existir, su desaparición pudo deberse a la progresiva reorganización de las músicas militares y a la consolidación de otros instrumentos —como pífanos, tambores, trompetas y, posteriormente, cornetas— que cumplían las funciones reglamentarias de señal, marcha y ceremonia.

También es posible que el uso de la gaita quedara limitado a soldados procedentes de determinadas regiones y que nunca llegara a integrarse de manera estable en las unidades. La falta de testimonios continuados impide determinar si existió una verdadera tradición militar o si se trató solamente de casos aislados que no dejaron continuidad documental.

La recuperación en el siglo XX

La reincorporación de la gaita a determinadas formaciones militares españolas suele relacionarse con Mariano Gómez-Zamalloa y Quirce, primer jefe de la Unidad de Música del Batallón de Infantería del Ministerio del Ejército.

El Batallón había sido creado en 1939 y su unidad de música se constituyó oficialmente el 27 de octubre de 1943. Dentro de este proceso de organización se habría impulsado la incorporación de gaitas gallegas a sus actuaciones musicales. 

Más que la continuación demostrada de una costumbre procedente de los Tercios, esta incorporación debe considerarse una recuperación moderna inspirada en la tradición musical gallega. Gómez-Zamalloa, nacido en La Coruña, habría desempeñado así un papel importante en la introducción contemporánea de la gaita en una formación del Ejército español.

José Álvarez Cancio y el pasodoble Santiago

El pasodoble gallego Santiago aparece atribuido al músico José Álvarez Cancio. Una ficha conservada en el Centro Documental de la Memoria Histórica lo identifica como músico de tercera perteneciente al Cuerpo de Músicos Mayores, aunque por el momento se conocen pocos datos sobre su trayectoria personal y profesional. 

Ficha de José Álvarez Cancio conservada en el Portal de Archivos Españoles (PARES). El documento lo identifica como «Músico de 3.ª perteneciente al Cuerpo de Músicos Mayores».

La obra fue grabada por la Banda Municipal de Lugo junto con su Grupo de Gaitas, bajo la dirección de Francisco Méndez Rodríguez. Esta grabación confirma tanto la autoría atribuida a Álvarez Cancio como la temprana vinculación de la pieza con las bandas y los conjuntos de gaitas gallegos. 

Aunque apenas se conocen datos biográficos seguros sobre el músico, su autoría figura reconocida en programas oficiales del Instituto de Historia y Cultura Militar. 

Su empleo no demuestra una continuidad histórica con los Tercios, pero sí representa la incorporación contemporánea de la gaita y de la música tradicional gallega a determinadas formaciones militares españolas.

Con el paso del tiempo, Santiago pasó a formar parte del repertorio de diversas bandas y agrupaciones gallegas. Más tarde, las compañías de la BRILAT, con base en Figueirido (Pontevedra), la incorporaron a sus desfiles y marchas para marcar el paso.

La BRILAT y las actuales formaciones militares con gaitas

En la actualidad, la presencia de gaitas continúa siendo una de las señas musicales más características de la Brigada «Galicia» VII. En actos solemnes, desfiles y ceremonias militares, los gaiteros aportan una sonoridad inmediatamente asociada a Galicia y refuerzan los vínculos entre la unidad y el territorio en el que tiene su sede principal.

La participación de gaitas en estas formaciones no debe interpretarse necesariamente como la supervivencia ininterrumpida de una costumbre procedente de los Tercios. Se trata, más bien, de una tradición militar contemporánea construida a partir del repertorio, la indumentaria y los instrumentos propios de la cultura gallega.

 

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/07/b55778c9-1b62-4dd0-8d8a-109c3382a9c8.png?w=1024 Gaitero de la Unidad de Música de la Guardia Real durante la celebración del Día de las Fuerzas Armadas en Vigo.

La gaita militar española constituye, por tanto, una tradición viva. Su presencia actual está bien documentada, aunque sus posibles raíces en los ejércitos de los siglos XVI y XVII necesitan todavía una investigación más profunda.

https://s0.wordpress.com/i/emails/wpcom-notifications/play2x.png                                                                 ( https://youtu.be/-oRBeLxlBrA?is=HT_QoDLP-8ieRddV )                                                                                                                                                                                                                                                                            https://img.youtube.com/vi/-oRBeLxlBrA/0.jpg                                                    ( https://youtu.be/-oRBeLxlBrA?is=HT_QoDLP-8ieRddV )

Fuentes y enlaces relacionados

Bibliografía

María del Carmen Novoa González, La gaita y la cornamusa en Galicia y Francia, 1980.

Grabaciones

Interpretación de la marcha militar Santiagohttps://youtu.be/jIa56LY8vNA?is=3KgjSCiPuhma4OoZ

Artículo relacionado

Gaitas, bagpipes, musette, cornemusehttps://musicaybellasartes.wordpress.com/2017/06/07/gaitas-bagpipes-musette-cornemuse/

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La gaita en Europa: historia, variedades e iconografía.


Museo Naval de Madrid
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La gaita en Europa: historia, variedades e iconografía
URL        : https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/08/04/la-gaita-en-europa-historia-variedades-e-iconografia/
Publicado  : 4 agosto, 2026.
Autor      : Mayte Delgado
Categorías: Música

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/08/img_4176.jpg?w=1024 Danza aldeana c. 1567 Pieter Brueghel el Viejo ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Pieter_Brueghel_el_Viejo )

Pocos instrumentos despiertan un sentimiento de identidad tan intenso como la gaita. Sin embargo, lejos de pertenecer a una única región, forma parte de una extensa familia de instrumentos repartidos por toda Europa y otros lugares del mundo. Sus nombres cambian —bagpipe, musette, cornemuse, zampogna…—, pero todos comparten un mismo principio: producir música mediante el aire almacenado en un odre. En este recorrido descubriremos cómo surgieron, en qué se diferencian y por qué han llegado a convertirse en símbolos de tantas culturas.

La gaita es un instrumento de viento ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Instrumento_de_viento ) . Para obtener el sonido ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Sonido )  el intérprete almacena aire en un odre ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Odre )  o saco soplando a través de un tubo o bien accionando fuelles con un brazo, para posteriormente presionar el odre haciendo que el aire salga por otro tubo dotado de orificios donde se ejecuta con los dedos la melodía ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Melod%25C3%25ADa ) .

Sackpfeife. Michael Praetorius, Theatrum Instrumentorum, 1620.

Cornamusa

Su origen es remoto ya que se cree que fue utilizado por los pueblos babilonios ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Babilonia_(ciudad) ) , hebreos ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Hebreos ) , fenicios ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Fenicia ) , romanos ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Roma )  y celtas ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Celta ) . Existen posibles referencias literarias en textos latinos, pero las primeras representaciones europeas de la gaita se remontan a la Baja Edad Media ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Baja_Edad_Media ) . A finales del siglo XV ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/M%25C3%25BAsica_del_Renacimiento )  perdió popularidad, excepto en las regiones españolas de Galicia, Asturias y Mallorca, así como en países como Escocia, Inglaterra, Francia y la Baja Bretaña.

Ancianos músicos del Apocalipsis, entre ellos un gaitero. Quinta arquivolta de la portada de la iglesia de Sainte-Croix, Burdeos.

La cornamusa es un instrumento musical de viento de doble lengüeta, ampliamente documentada en Europa desde la Edad Media

Pertenece a la familia de las gaitas y se caracteriza por un depósito de aire (odre o saco) que alimenta un puntero melódico y, en muchos modelos, tiene uno o varios bordones. El término procede del francés cornemuse y, según la época y el país, se ha utilizado para designar diferentes tipos de gaita.

En francés, cornemuse significa simplemente “gaita”, pero en España, muchos autores utilizan “cornamusa” para referirse a determinadas gaitas históricas europeas, diferenciándolas de las gaitas tradicionales españolas. En organología moderna, ambas pertenecen a la misma familia. Por  eso en muchas pinturas flamencas o francesas aparece la palabra cornemuse, aunque el instrumento sea perfectamente comparable a una gaita.

Las cornamusas medievales y renacentistas suelen presentar un odre de piel; un tubo para insuflar el aire (o un fuelle en algunos modelos); un puntero melódico de doble lengüeta y uno o varios bordones que producen una nota continua.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/08/img_4189.jpg?w=269 Cornamusa. Notre-Dame de Caudebec-en-Caux (1510)

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/08/img_4214.png?w=715 Gaitero medieval de la iglesia de Beverley Minster (East Yorkshire, Inglaterra). 

«Jouer de Cornamuse» Hendrik ter Bhruggen

Instrumentos de viento que aparecen en las Cantigas de Santa Maria, manuscrito escrito en la corte del Rey Alfonso X el Sabio ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Alfonso_X_el_Sabio )  durante la segunda mitad del siglo XIII.

GAITA (Cantiga 350) La gaita está formada por las siguientes partes: un odre o pellejo donde se almacena el aire, una boquilla para soplar, y varios tubos (uno melódico y dos bordones o roncones, que hacen resonar la fundamental y la quinta).

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/08/img_3735.jpg?w=1024 Partes de una gaita

ODRECILLO (Cantiga 260). El odrecillo es una variedad de la gaita, pero más pequeño y sin bordón. Tiene además un puntero recto y largo, pero quebrado, en forma angular.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/08/img_4183.jpg?w=920 Miniatura de las Cantigas de Santa María del siglo XIII, que muestra una pequeña gaita sin bordones, etiquetada en algunas fuentes como "odrecillo".

Pastor tocando una gaita. Tapiz flamenco, finales del siglo XV.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/08/img_4188.jpg?w=869
Una  alegre banda de músicos ambulantes.Christoffer Lubieniecki (Szczecin 1659-1729 Amsterdam)

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/08/img_4184.jpg?w=1024 La boda campesina. Pieter Brueghel el Viejo ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Pieter_Brueghel_el_Viejo ) , actualmente en el Museo de Historia del Arte de Viena ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Museo_de_Historia_del_Arte_de_Viena ) , Austria ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Austria ) .

Dos gaiteros ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Gaita )  tocan el pijpzak ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Anexo:Gaitas ) , un tipo de cornamusa que se tocaba en Flandes y Países Bajos, conocida sobre todo por las pinturas de Pieter Brueghel el Viejo ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Pieter_Brueghel_el_Viejo ) .

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/08/img_4186-1.jpg?w=799 La comitiva nupcial. Pieter Brueghel el Viejo ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Pieter_Brueghel_el_Viejo )

Variedades de gaitas

La gaita consta de tres elementos principales: el soplete, por el que se introduce el aire en el odre; el puntero, provisto de orificios para interpretar la melodía; y los bordones, que producen una o varias notas continuas de acompañamiento. El bordón principal se denomina roncón y, cuando existen otros de menor tamaño, reciben los nombres de ronqueta y ronquillo.

Las diferentes variedades de gaita se distinguen por la forma del saco, el número y disposición de los bordones, las características del puntero y el sistema utilizado para introducir el aire. En la mayoría de las gaitas tradicionales, el intérprete insufla el aire soplando a través de un soplete. Otras, como la Musette de Cour francesa o las uilleann pipes irlandesas, utilizan un fuelle accionado con el brazo, lo que permite mantener un flujo de aire constante sin soplar directamente en el instrumento.

Una palleta consiste en dos laminas de caña sobre un pequeño cilindro que suele ser de cobre o latón. Al pasar el aire a través de ellas, se crea el sonido de la gaita.

Gaita "simple" (de un bordón): consta de soplete, fuelle, puntero y roncón afinado dos octavas más bajo que la tónica del puntero.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/08/img_4230.jpg?w=212
Gaita simple, provista de un único bordón o roncón.

Gaita de dos bordones: además de roncón presenta ronqueta afinada (generalmente) una octava por debajo de la tónica del puntero.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/08/69fc195e-075c-4bc1-8476-b5ec21204ed7.png?w=1024
“En esta gaita se distinguen dos bordones, situados a la izquierda: uno largo y otro más corto. El aire entra por el soplador, un tubo corto insertado en el saco, y la melodía se interpreta en el puntero, el tubo de la derecha provisto de orificios.”

Gaita de tres bordones: Además de roncón y ronqueta, presenta ronquillo. El ronquillo puede ser de palleta o pallón, afinado (generalmente) en el 5º grado del puntero.

Gaita de tres bordones, con roncón y dos bordones menores, además del puntero melódico y el soplete.

Gaitas de palleta doble: consta de puntero, ronquillo de palleta y roncón.

Algunas gaitas emplean palletas dobles en sus tubos melódicos. Un ejemplo característico es la zampoña italiana, que puede disponer de dos punteros melódicos y varios bordones.

Se extendió a finales del siglo XIX y primera mitad del siglo XX por las provincias de Pontevedra y A Coruña.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/08/f50bb5cc-1c37-40a1-bea8-3f09b2331968.png?w=1024 Zampoña italiana de pallete doble

Gaita de barquín: Tipo de gaita conocida a principios del siglo XX en el área de Baixo Miño, al suroeste de la provincia de Pontevedra, en la cual el aire se insufla con un fuelle ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Fuelle )  en lugar de un soplete.

Gaita con soplete

Gaita de banda o marcial: adaptación estética de la gaita escocesa ( https://es.m.wikipedia.org/w/index.php?title=Gaita_escocesa&action=edit&redlink=1 ) , en la que la ronqueta y el ronquillo se colocan sobre el hombro, paralelos al roncón. Suele estar afinada en Si bemol.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/08/b55778c9-1b62-4dd0-8d8a-109c3382a9c8.png?w=1024
Gaita de banda o marcial: modelo inspirado en la disposición de la gaita escocesa, con los bordones colocados paralelamente sobre el hombro. Suele estar afinada en si bemol.

Gaita asturiana

La gaita asturiana es una de las variedades más características de la cornamusa ibérica. Tradicionalmente consta de un puntero, un roncón y un soplete para insuflar el aire en el odre. Desde finales del siglo XX se han difundido también modelos con dos y tres bordones, que amplían sus posibilidades sonoras. El roncón produce una nota grave y continua que acompaña la melodía interpretada en el puntero.

Partes de una gaita asturiana.1.- Soplete. 2.- Puntero . 3.- Roncón o bordón bajo. 4.- Fuelle.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/08/img_4240.jpg?w=640
Gaita asturiana de Manuel Álvarez Vega, «Cogollu», Llorozana (Carreño), hacia 1900. Museo de la Gaita, Gijón.Se trata de una gaita  asturiana tradicional, con un puntero melódico y un roncón que proporciona el acompañamiento continuo.

Gaita gallega

La gaita ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Gaita )  gallega es un instrumento de viento madera ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Instrumento_de_viento-madera )  propio de Galicia ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Galicia ) , el norte de Portugal ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Portugal ) , el oeste de Asturias ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Asturias ) , el Bierzo ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Bierzo )  y Sanabria ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Sanabria ) . Es el símbolo por excelencia de la música tradicional gallega. En su forma original, consiste en un tubo preformado (punteiro), provisto de caña e insertado dentro de un odre llamado fol, que es la reserva de aire. El gaitero para tocar llena de aire el fol y lo va comprimiendo con su brazo para mantener la salida de aire con sonido (tempero). A este primitivo instrumento se le unió un roncón, es decir otro tubo que da la nota continua.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/08/img_4218.jpg?w=720 Gaita gallega

Requinta da UllaVariante gallega vinculada a la comarca del Ulla. El taller García de Riobó, en A Estrada, desarrolló modelos con puntero afinable, cuya mesa y fuste pueden separarse mediante un mecanismo deslizante.

Gaita de Boto

Se trata de una cornamusa ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Cornamusa )  de lengüeta doble ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Leng%C3%BCeta_doble )  perteneciente al folclore aragonés ( https://es.m.wikipedia.org/wiki/Arag%C3%B3n ) . El boto es una piel de cabrito entera, curtida y recubierta de pez u otras resinas.

En el boto se almacena el aire que se llena con un soplador o bufador. Un clarín (equivalente al puntero) articula la melodía y un bordón (equivalente al roncón) produce un bajo continuo.

MUSETTE de COUR

La musette de cour es una pequeña gaita francesa alimentada mediante fuelle, utilizada especialmente en ambientes cortesanos durante los siglos XVII y XVIII.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/08/img_4162-1.jpg?w=381 Portrait d'un musicien" 1765. Lorenzo Baldissera Tiepolo, más conocido como Lorenzo Tiepolo (Venecia, 8 de agosto de 1736 - Somosaguas, 2 de mayo de 1776), fue un pintor y grabador italiano, hijo del célebre Giovanni Battista Tiepolo.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/08/img_4169.jpg?w=658 ENCICLOPEDIA FRANCESA, lamina VI. Instrumentos de viento: Musette y Cornamusa

Este tipo de gaita francesa, conocida como Musette, se tocaba en círculos cortesanos desde el año 1670, con piezas escritas por compositores como Jean Philippe RAMEAU (1683–1764).

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/08/img_4160.jpg?w=683 Musette francesa de 1750, conservada en el Museo "Victoria and Albert" de Londres.

A pesar de la gran diversidad de nombres y formas, todas las gaitas comparten un mismo principio: un depósito de aire que alimenta uno o varios tubos sonoros mediante lengüetas. Desde las cornamusas medievales representadas en iglesias y manuscritos hasta la musette de cour francesa, la zampogna italiana o las gaitas tradicionales de la Península Ibérica, este instrumento ha acompañado durante siglos la vida popular, religiosa, militar y cortesana de numerosos pueblos europeos. Su extraordinaria variedad convierte a la familia de las gaitas en una de las más ricas e interesantes de la organología occidental.

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